Film

Neun Filmkritiken

Die Mumie
(The Mummy, Alex Kurtzman, USA 2017, 110 Minuten)
Gleich vorweg mal aufgeklärt: Die viele Ablehnung, die dem Film seit dem Start entgegen geschlagen ist, liegt weniger an der Qualität des Films, auch wenn dieser wahrlich kein Meisterwerk ist, sondern häufig daran, dass Marketing, Besetzung der Hauptrolle und Platzierung dieser neuen „Mumie“ im Kinosommer bei Publikum und Kritik völlig falsche Erwartungen geweckt haben – Zitat Variety: „ With Tom Cruise in the lead, the revival was poised to be a beat-the-heat, popcorn-flinging summer blockbuster, a nostalgia grab for millennial fans of the 1999 title..“
Nein!
Eben genau das will/soll der Film nicht sein, ob das nun gut oder schlecht ist, ist eine andere Frage. Dies ist eben nicht eine Fortsetzung der modernen Mumie-Trilogie von Stephen Sommers (ab 1999), die viele noch positiv im Gedächtnis haben. Nein, dieser neue Mumie Film schielt keinesfalls wie die vorherige Trilogie auf die Indiana Jones-Filme, sondern besinnt sich tatsächlich auf die alten Boris Karloff-Filme aus den 1930ern und zitiert auch andere Horror-Filme von (besonders deutlich) „American Werewolf“ bis „Night of the Living Dead“, sowie insbesondere die vier spanischen „Reitenden Leichen“-Filme mit ihren zum Leben erweckten untoten Kreuzrittern. Daraus bezieht diese „Mumie“ aber auch durchaus ihren Charme, auch wenn die Unentschiedenheit des Films ihn nie richtig fesselnd werden lässt. Er lässt sich zwar auf Horror ein, ist aber als Sommer Blockbuster dafür letztlich zu harmlos und nicht spannend genug, und es war sicherlich nicht die beste Idee, einen eigentlich reinen Horrorstoff in die Hülle eines Tom Cruise-Kinosommervehikels zu wickeln. Denn so bekommen wir schon ein wenig Action, aber nicht zu viel, etwas Humor, aber nicht zu viel, etwas Horror, aber nicht zu drastisch, so dass letztlich von allem nicht zu viel – zu wenig ist. Eine Katastrophe ist der Film nicht (ist das ein Lob?), aber schon irgendwie unrund; der Zug kommt an, aber schlingernd. Das mystische Brimborium macht durchaus Spaß, wenn man sowas mag und die ersten Spurenelemente des neuen Dark Universe (Universals Gegenangebot zum Marvel Cinematic Universe und dem DC Extended Universe) wecken auch Lust auf mehr – nicht, weil man unbedingt die hingeworfenen Handlungsbrocken erklärt oder weitergesponnen haben möchte, sondern einfach, weil dies alles schon Erzählpotential birgt. Das man aber natürlich in Zukunft auch richtig nutzen muss.
Aktivposten sind die toughe und bildhübsche Annabelle Wallis (bitte mehr solche Rollen für die Dame!) als Heldin und Love Interest von Tom Cruise, sowie ein glucksend aufgeblasener Russel Crowe als Nick Fury, äh nein, als (ja DER) Dr. Jekyll und Chef einer Geheimorganisation gegen das Böse™. Schöner Score von Brian Tyler, und vereinzelt gelingen Regisseur Alex Kurtzman einige sehenswerte Einfälle, auch wenn ihn wohl niemand als visionären Filmemacher bezeichnen würde.
Von einem gelungenen, runden Eindruck kann man ernsthaft bei dieser „Mumie“ nicht sprechen, dafür passt zu viel nicht zusammen und vor allem, zu viele Szenen handeln von Menschen, die in halbdunklen Kammern und Hallen herumstehen. Nur herumstehen, ein Glück ist dieses Werk für einen Sommerblockbuster recht kurz ausgefallen und man reitet in deutlich unter zwei Stunden dem Abspann entgegen. Als seltsamer Hybrid eines groß budgetierten Horror-Films ist der Film eine Sichtung aufgrund seiner Schauwerte und des dezenten Gothic-Touches aber durchaus wert. Natürlich vor allem für Zuschauer, die die Universal-Monster sowieso mögen (der Verfasser dieser Zeilen ist da zugegeben voreingenommen). Next Stop: ‚Frankensteins Braut‘ von ‚Gods & Monsters‘-Regisseur Bill Condon im Februar 2019 – das hört sich immerhin toll an. 7/10 Punkte

Fifty Shades of Grey 2 – Gefährliche Liebe
(Fifty Shades Darker, James Foley, USA 2017, 131 Min (extendcd cut)/118 Min Kinofassung)
Die Fortsetzung des großen Erfolgsfilms basierend auf den Millionen-Sellern von E.L. James erweist sich als ziemliche Mogelpackung: „Gefährlich“ ist hier nichts und „dunkler“ ist der Film auch nicht als der Vorgänger, eher im Gegenteil. Die Romanze von Ana und Christian dreht nach einer Versöhnung einfach eine weitere Runde und, nein, gipfelt kann man eigentlich nicht schreiben, also nicht gipfelt sondern enthält 3-4 kurze Sex-Szenen, die in Länge und mangelndem drauf einlassen das höchst seltsame Gefühl beim Zuschauen wecken, dass die Filmemacher diese schnell hinter sich bringen wollen – eine erstaunliche Attitüde bei einem Film, der nun schon hauptsächlich als Erotik-Film vermarktet werden soll. Vielleicht sind die weiblichen Fans dieser Reihe da genügsamer – wenn man z.B. einen Jurassic World-Film fast ohne Dinos in die Kinos bringen würde, würden sich wohl doch einige mehr beschweren. Die Handlung schleppt sich durch bemerkenswert lange 131 Minuten im extended cut von einer Verwicklung und Romance-Standard-Situation (leider ziemlich geschäftig abgehakt alles) zur nächsten, und bevor alles zu sehr still steht, darf Christian mal wieder kurz für maximal vier Sekunden zu der in solchen Filmen üblichen klebrigen Fahrstuhlmusik Ana von hinten.. Abblende. Eine Zod-Hommage („Kneel!“) wird immerhin bleiben von dem Film, die ist grandios – ob gewollt oder nicht, ist ja letztlich egal. Irgendwie sind diese Filme keine völlig totale Katastrophe, nüchtern gerechnet kommt man (und vor allem: Frau) mit einem baccara-Romanheft aus dem Supermarkt aber einfach günstiger weg. 4/10 Punkten.

Nocturnal Animals.
(Tom Ford, USA 2016, 116 Minuten)
Der neue Film von Designer und Regisseur Tom Ford ist diesmal ein komplex und kunstvoll erzählter, düsterer Thriller, der sich freilich etwas zu sehr in seiner Düsternis und Kunstgewerblichkeit gefällt. Die bei Tom Ford üblichen erlesenen Bilder und einige wirklich großartige filmische Momente (wie zum Beispiel die Schlussszene) heben den Film aber schon weit aus der Masse heraus. 8/10 Punkte

Split
(M. Night Shyamalan, USA 2017, 117 Minuten)
Der große Comeback-Film von M. Night Schyalalan erweist sich tatsächlich als unglaublich fesselnd gelungen. Ein grandios gestalteter Thriller, der aus seiner seltsamen Prämisse: ‚Schizophrener Täter mit 23 Persönlichkeiten hält drei junge Frauen gefangen‘ ein Maximum an Wirkung erzielt. James McAvoy empfiehlt sich mit seiner herausragenden Darstellung bereits jetzt für die nächste Oscar-Verleihung. Die Schluss Wendung will nicht so richtig zu dem Film passen, was man aber auch nicht ernsthaft als Vorwurf aufwerfen kann, da die Verbindung zu einer gewissen Trilogie (Teil 3 folgt in anderthalb Jahren) in Shyamalans-Werk sich ja auch erst am Ende erschließen soll. 8/10 Punkten

Sully
(Clint Eastwood, USA 2016, 96 Minuten)
Man kann über Tom Hanks ja denken was man möchte, aber für solche Rollen wurde er geschaffen. Der Film erzählt die wahre Geschichte von der glücklichen Notlandung einer Passagiermaschine auf dem Hudson River aus dem Jahr 2009 nach und übt Kritik an den offiziellen Ermittlungen, wobei er die Flugaufsichtsbehörden in einem schlechten Licht darstellt, was insbesondere bei staatsgläubigen Filmkritikern einigen Backlash erzeugt hatte. Dies ist ein Film, wie ihn nur Clint Eastwood inszenieren kann: Denn er schafft es gleichzeitig packend, spannend und aufregend zu sein, aber auch völlig unaufgeregt und entspannt daher zu kommen. Eastwood erweist sich auch als bemerkenswert konzentriert – nicht jeder Stoff verlangt Eastwoods sonst übliche zwei Stunden Plus, hier kommt er tatsächlich mal mit gut anderthalb Stunden aus, was dem Film sehr gut tut. 8/10 Punkten

La La Land
(Damien Chazelle, USA 2016, 128 Minuten)
Der eine der beiden großen Oscar Gewinner 2016 (neben „Moonlight“) erweist sich bei näherer Betrachtung doch ein wenig als Scheinriese. Dieses grundsympathische Musical um die alten Themen künstlerischer Erfolg vs. künstlerische Integrität erzählt seine sattsam bekannte Geschichte etwas zu sehr so, als wäre es etwas Neues, was doch leicht verwundert. Die Musicalnummern sind eher rar gesät, erstaunlicherweise. Ferner scheint die teilweise hysterische Liebe, die dem Film entgegen geschwappt war, wohl daher auch zu rühren, dass die in solchen Musicalnummern mögliche befreiende visuelle Fantasie in den letzten Jahren im Mainstream-Kino rar geworden ist und viele Zuschauer, die in der Regel sowieso mit Musicals fremdeln, sich dessen entwöhnt haben. Vielleicht ist das etwas ungerecht, aber da waren die MGM-Musicals vor acht Jahrzehnten durchaus gewagter, schmissiger und einfallsreicher. Die in sehr breitem Scope-Format (2,55:1) fotografierten, gesucht schönen Bilder bezaubern trotzdem, ebenso wie die beiden wirklich vortrefflichen und intensiven Hauptdarsteller Emma Stone und Ryan Gosling, weswegen der Film schon sehenswert ist. Vielleicht hatte man von Damien Chazelle nach dem bezwingenden, meisterlichen „Whiplash“ auch einfach etwas anderes erwartet, als ein solch entspanntes Zurücklehnen; was natürlich sein gutes Recht und kein Vorwurf ist. 7/10 Punkten

xXx 3: Die Rückkehr des Xander Cage
(D.J. Caruso, USA 2017, 107 Miuten)
Vin Diesel erweckt seine alte Quasi-James Bond Franchise von vor 15 Jahren wieder zum Leben und gestaltet sie nunmehr im Stile seiner größten Erfolge, der Fast & Furious Filme: Wir bekommen also auch beim dritten Triple-X Film jetzt eine Art Film-Familie und völlig abgedrehte Action Szenen zu sehen. Wobei letztere natürlich auch schon die USPs bei den Vorgängern waren. Das alles ist eine Nummer kleiner als beim großen Bruder F&F in Budget, Aufwand und Einfallsreichtum, trotzdem sehr schön anzusehen, wenn diesmal eine noch deutlich internationalere Besetzung antritt mit großen süd- und ostasiatischen Stars. Letzteres erklärt wohl auch, dass der Film dort ein Riesen-Hit war – nicht aber in den USA. Da inzwischen die Kaufkraft des asiatischen Marktes (vor allem von China) mehr als ausreichend ist um Hollywood-Sequels anzuschieben, dürfte ein Teil 4 irgendwann amtlich sein. Trotz einiger wirklich fulminanter Action-Szenen (Regisseur D.J. Caruso hat sich nach dem katastrophal inszenierten und montierten „Eagle Eye“ (2008) deutlich gesteigert) muss man dem Film ein Verbrechen vorwerfen: Der in der Regel atemberaubende Tony Jaa wird kriminell ungenutzt verschwendet in seiner zu kleinen Rolle. 7/10 Punkten

Lethal Warrior / Kill Zone 2 / SPL 2: A Time for Consequences
(Cheaung Pou-Soi, HK/China 2015, 118 Minuten)
Diese größer aufgestellte Fortsetzung zu dem modernen Hongkong Klassiker SPL von Wilson Yip aus dem Jahr 2005 hat mit dem Vorgänger eigentlich fast nichts gemein, bis auf ein, zwei Namen in der Besetzung, darunter auch Simon Yam, dessen Figur den Vorgänger nicht überlebte und der hier eine andere Rolle spielt. Dies hier ist ein Klopp-Vehikel für Tony Jaa, macht insofern also alles richtig, und enthält einige tolle Momente, vor allem ein wirklich grandios gestaltetes, eindrückliches Finale. Für Martial Arts Fans mehr als sehenswert. 8/10 Punkten

The Perfect Weapon
(Titus Paar, USA/SWE/SP 2016, 89 Minuten)
Kein übliches Steven Seagal-Vehikel (und sein siebenter, wiederhole SIEBENTER Film 2016!!), sondern eine Dystopie um eine Diktatur im ‚Hunger Games‘-Stil. Seagal spielt diesmal den bösen Diktator, der auch kurz einmal seine Martial Arts-Künste zeigen darf. Witze über Steven Seagals Körpergewicht und mangelnde Beweglichkeit die letzten 15 Jahre sind nun mehr als genug gemacht worden, insofern darf man hier eher traurig registrieren, dass man in einer Szene das untrügliche Gefühl hat, dass der arme Seagal sogar seine Arme nur noch schwer hoch bekommt – und alle anderen seiner Action-Szenen höchst seltsam montiert sind, so dass zwar Defizite kaschiert werden, aber keine Wucht aufkommen kann. Der bar jeglicher Einfälle und Esprit inszenierte, budgetmäßig verhungernde Film ist beim Abspann bereits vergessen, auch wenn einige nicht allzu blutige Action-Szenen zumindest leidlich unterhalten. 4/10 Punkte

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Fünf Filmkritiken

Mal wieder ein paar Filmkritiken, kurz und schmerzlos:

Abteilung Blockbuster:

Fantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind
(Fantastic Beasts and where to find them), David Yates, USA 2016, 133 Minuten
Inhaltich eher loser Harry Potter-Spin of im New York der 20er (kein Harry und kein Hogwarts weit und breit), der allerdings visuell durch die Handschrift des Potter-Stammregisseurs (natürlich bewusst) einen sich sofort heimisch fühlen lässt. Die von Joanne Rowling erdachte neue Story in dem von ihr selbst erschaffenen Universum ist zumindest brauchbar, richtig sehenswert wird der Film dadurch, dass die gigantischen Server-Parks eines Hollywood-Studios mal nicht für die ewig gleichförmige CGI-Massen-Destruktion genutzt werden, sondern für höchst einfallsreiche, fantasievolle, manchmal richtig poetische Bilder bei der Visualisierung der potter-typischen Magie. Braucht man die vier geplanten Fortsetzungen davon? Wohl eher nicht. Eine aber erstmal gerne. 8/10 Punkte

Rogue One: A Star Wars Story
Gareth Edwards, USA 2016, 134 Minuten
Star Wars, Episode 3.9: Wie die Rebellen an die Pläne des Todessterns gelangt sind und warum die „Schwachstelle“ in der Konstruktion des Todessterns doch ihren Sinn hat. Star Wars einmal wirklich als Kriegsfilm und so gut wie ohne Lichtschwerter, Familien-Dynastie-Gedönse und possierliche Viecher. Das tut richtig gut, sorgt allerdings auch dafür, dass dieser gigantische Abenteuerspielplatz namens Rogue One etwas unterkühlt daher kommt, da ändert auch das sogar eher unangenehme Märtyrer- und Aufopferungs-Pathos gegen Ende nichts. Wir wollen aber bei der Sache bleiben: Der Star Wars-Fan (für nichtgläubige ist der Film eher nicht geeignet), der bei einer zentralen Action-Szene und vor allem bei dem gut halbstündigen Finale nicht einen enormen Kick verspürt, der oder die ist noch nicht geboren worden. Fürs Protokoll: Atemberaubend perfekte Schlussszene, die enorm viel Endorphin ausschüttet, allerdings kurzfristig aufgekommenes Gerede über eine Rogue One-Fortsetzung völlig absurd erscheinen lässt: Die völlig nahtlose „Fortsetzung“ existiert seit 40 Jahren. Die Höchstnote können wir aber wegen zu viel Geschwätzigkeit im Mittelteil und etwas arg viel Mythos-Anspielungs-auf-der-Stelle-treten (vor allem bei den Gastauftritten von Schwerverbrechern, Droiden etc.) nicht vergeben. 9/10 Punkten

Fast & Furious 8
(The Fate of the Furious), F. Gary Gray USA 2017, 136 Minuten
Ist das schön, einfach mal einen gut geölten Blockbuster zu sehen, der erstaunlicher Weise in seiner Machart, Gefühle seiner Helden durch massive und realitätsferne Destruktionen auszudrücken, sich sehr stark beim asiatischen (Süden und Fernost) Kino bedient. Die Family spielt befreit auf und dass auf dem Regie-Stuhl erstmals F. Gary Gray (Set it off, The Negotiator, The Italian Job) Platz genommen hat, ist bei dieser Reihe eigentlich ein Selbstgänger: Denn Gray kann nicht nur Action, sondern hat auch ein extrem sicheres Händchen dafür, Helden cool in Szene zu setzen, es ist eine Wonne, in diesem Film Testosteron-Bomber wie Diesel, The Rock und Statham in Action zu sehen. Dafür ist der Erotik-Faktor eher herunter geschraubt, zumindest was nackte Haut angeht, dem Verfasser dieser Zeilen reicht aber eigentlich schon Michelle Rodriguez‘ Schmollmund hinter einem Steuer. Dass Regisseur Gray schon länger im Geschäft ist, merkt man an einem der schönsten Zitate der letzten Jahre, wenn Jason Statham mit Baby auf Chow Yun-Fat in „Hard Boiled“ (John Woo, 1992) machen darf. 8/10 Punkte.

Abteilung Action-Helden

Pound of Flesh
Ernie Barbarash, Kanada 2015, 104 Minuten
Jean Claude van Damme wird in Manila seine Niere geklaut (NICHT FRAGEN!), die eigentlich seine Nichte bekommen sollte. Die Zeit tickt. Interessante Prämisse, und auch wenn das niedrige Budget teilweise sein hässliches Haupt in einer lächerlichen Autoverfolgungsjagd und teilweise spuckend hässlichen Kulissen (schlecht ausgeleuchtete chinesische Lagerhallen, die Manila darstellen sollen) hebt: JCVD ist in blendender Form – obwohl seine Filmfigur ja eigentlich eine ordentliche OP-Narbe durch den Nierenklau hat.. – und es macht viel Spaß, ihm bei seinen Kicks zuzusehen. Für eine DVD-Premiere ein sehr ordentliches Machwerk. 7/10 Punkten.

Die Todeskralle schlägt wieder zu
(Way of the Dragon), Bruce Lee, Hong Kong 1973, 99 Minuten
Wiederbegegnung mit einem frühen Chuck Norris-Film, in welchem er einen amerikanischen Superkämpfer-Bösewicht darstellt, der sich im Finale mit Bruce Lee im Kolosseum zu Rom (bzw. vor deutlich erkennbar gemalten Hintergründen in einem Studio in Hong Kong) prügeln darf. Die Story? Bruce Lee reist von Hong Kong nach Rom um einem Restaurant auszuhelfen, das von Schutzgelderpressern bedroht wird. Für den Bruce Lee-Kult ist der Verfasser dieser Zeilen etwas spät geboren, trotzdem lässt sich nicht leugnen, dass dieser schon etwas holprig inszenierte Film von der großen Präsenz Bruce Lees lebt, dessen Kämpfe in ihrer Eleganz, Athletik, Grazie und schieren Durchschlagkraft heute noch eine hohe Faszinationskraft haben und den Film hervorragend altern lassen. Eher nervig sind die Stereotype, insbesondere in der kantonesischen Originalfassung gilt: Englisch=Böse, Kantonesisch=Heimat und gut. Natürlich hätte Chuck Norris in Wirklichkeit nie verloren, wie soll das gehen?! Aber im Film darf ja selbst Bruce Lee mal träumen. 8/10 Punkten

Zwei Filmkritiken

Arrival (Denis Villeneuve, USA 2016, 117 Min)
Sehr schön gestalteter SF-Film um einen friedfertigen Alien-Besuch auf der Erde, der zwiespältige Gefühle weckt. Im vergleichbaren Kino-Umfeld ein herrlich unaufgeregter, intelligenter und interessanter Film in schönen Bildern – gleichzeitig ist es aber frustrierend, wie wenig sich die Macher an eine wirkliche Umsetzung der Themen (Determinismus, Wahrnehmung der physikalischen Gesetze, Sprache) in der brillanten und wunderschönen Novelle „Story of your Life“ von Ted Chiang heran getraut haben, die für „Arrival“ adaptiert wurde. Zumal sämtliche (durchaus sehr drastischen) Änderungen gegenüber der Novelle den Film konventioneller machen, als es notwendig gewesen wäre. Aber das war wohl Absicht. Sehenswert ist das alles durchaus trotzdem und vielleicht ist es auch gar nicht möglich, die mit Händen zu greifende Großartigkeit des vielleicht besten SF-Erzählers der Gegenwart in ein adäquates Kinoerlebnis zu transformieren. Das Resultat sind paradoxe Gefühle, wenn der Abspann von „Arrival“ läuft. Man ist zugleich zutiefst befriedigt ob eines gelungenen, schönen Films und unbefriedigt wegen des riesigen Abstandes in jeglicher Hinsicht zur ursprünglichen Novelle von Ted Chiang. 8/10 Punkte

Jack Reacher: Never go back (Edward Zwick, USA 2016, 118 Min)

Die vielen mäßigen bis negativen Kritiken verwundern – vielleicht fehlt vielen Menschen einfach die Dankbarkeit, endlich mal wieder einen gelungenen Mid-Level Thriller zu sehen, der sicherlich nichts Neues an den Tisch bringt, aber über knapp zwei Filmstunden blendend und rasant unterhält. Wer nicht ständig blöde Sprüche und Grinsen braucht, ist hier genau richtig, wenn Tom Cruise es mal von der Rolle vorgeschrieben bekommt, genau dies nicht zu dürfen. Gleiches Recht für alle: Da es unter Androhung von Shitstorms absolut Tabu ist, über die falsche Cup-Größe der Wonder Woman Darstellerin öffentlich zu reden, thematisieren wir hier auch nicht, dass Tom Cruise für die Rolle von Lee Childs Jack Reacher eigentlich ein bis anderthalb Köpfe zu klein ist. Begrüßenswert seine Souveränität (er ist auch Produzent – „A Tom Cruise Production“) sich klar die Show stehlen zu lassen von der atemberaubend großartigen Cobie Smulders (ja, die Maria Hill aus dem MCU), die eine Heldin spielt, an deren entschlossenen, harten Blick und toughen Moves man sich gar nicht satt sehen kann. So geht weibliche Heldin 2017!
Erstaunlich, was in den USA heute an knackenden Knochen und Filmblut bei einem PG-13 zulässig ist (bei uns ist der Film ab 16) und wirklich abartig, dass das Budget von 60 Millionen Dollar noch vor dreißig Jahren zum teuersten Film aller Zeiten gereicht hätte und heute fast in die Kategorie Low Budget gehört. Was dem Vergnügen an diesem herrlich gradlinigen Thriller keinen Abbruch tut. Leider lief der Film bisher nur mäßig gut (auch wenn er seine Kosten eingespielt hat), so dass von den bisher 21 Reacher-Romanen von Lee Child es wohl vermutlich bei diesen zwei Verfilmungen bleibt. Zumindest mit Tom Cruise. 8/10 Punkte

Aus für den ‚film-dienst‘

Das war es dann wohl. Nach 25 Jahren Abo werde ich den film-dienst nächstes Jahr nicht mehr alle zwei Wochen im Briefkasten finden. Nein, ich entziehe meine Liebe nicht, die Zeitschrift wird eingestellt. Trotz zuviel bunt, überhand nehmender Portraits nicht so wichtiger Filmschaffender (Schauspieler) und mir persönlich zu viel Linksdrall die letzten Jahre (da hat man sich der epd angepasst), fühlte ich mich nach wie vor gut informiert alle zwei Wochen. Und werde diese Institution deshalb sehr vermissen.

Immerhin bleibt die Online-Datenbank, eine der vermutlich besten der Welt. Dafür würde ich sogar weiter zahlen.

http://mobil.ksta.de/kultur/fachzeitschrift-rettung-des–filmdienstes–ist-gescheitert—kritik-an-kirche-25220124?originalReferrer=https://www.google.de/

Marvels Zauberformel – nicht entschlüsselt

Der Kommentar in der Variety ist interessant, denn es ist tatsächlich erstaunlich: Seit fast zehn Jahren gelingt es Marvel, von einem Boxoffice-Erfolg zum anderen zu gelangen, ohne, dass dies zu einem messbaren Überdruss-Backlash führt, den es ansonsten eigentlich IMMER gibt. Auch in meinem Umfeld (online wie offline) gibt es eigentlich praktisch nur Marvel-Fans – und diejenigen, die an sich mit Superheldenfilmen nicht viel anfangen können, aber, und das ist entscheidend, diese Menschen dachten eigentlich schon vorher so und sind nicht erst durch den Überflussüberdruss so geworden. Dass man eine Franchise-Formel in der Schlagzahl in der Tat so lange vor ’schal‘ und ‚alt‘ bewahren kann, ist ziemlich einmalig – und schwierig zu erklären.
Und fand bisher noch keine erfolgreichen Nachahmer. Für Warner/DC ist nächstes Jahr Schicksalsjahr, wenn man sich von dem Kritikerspießrutenlauf dieses Jahr erholt hat (wobei BvS und Harley und ihre Freunde durchaus große Hits waren), ob Universal tatsächlich noch einmal wie in den 30er/40ern ein Monsteruniversum aus der Taufe heben kann, wird sich zeigen und ein Transformers Cinematic Universe klingt für mich erstmal wie etwas, das mich schlecht schlafen lässt – schon wegen des Lärms.
Also, nochmal zu oben: Eine richtige Erklärung für den Erfolg habe ich auch nicht. Nein, „fast nur gute Filme“ reicht da einfach nicht, denn alles wird irgendwann mal oll..

‘Doctor Strange’ Proves Marvel Is the Gold Standard in Hollywood

Gesehen

 

Gesehen habe ich die letzten Tage zwei Filme, und kann von drei Serien-Eindrücken berichten.

Nach vielen guten Kritiken und dem erneut großen Erfolg von „The Conjuring 2“ hatte ich von James Wans neuem Werk einiges erwartet und wurde auch nicht enttäuscht. Wan ist ein so talentierter Geisterbahn-Zampano, dass es mir mehrfach während des Films eiskalt den Rücken runterlief, obwohl Wan nie einen Hehl daraus macht, wie er arbeitet und keinesfalls das Rad neu erfindet. Man weiß, dass er einen packen will, man bereitet sich vor – und trotzdem erwischt er einen. Trotzdem ist „The Conjuring 2“ kein Meisterwerk, die Kombination aus Überlänge und der Fehleinschätzung, dass man Spannungssteigerung vor allem mit gesteigerter Lautstärke und Destruktionsbohei verwechselt, verhindert die Aufnahme in höhere Instant-Klassiker Sphären. Gruselfans kommen aber auf ihre Kosten.

Zwei Filme mit Tom Cruise muss ich 1-2 Mal im Jahr sehen. Jedes Jahr. Neben „Eine Frage der Ehre / A Few Good Men“ ist das auch „Collateral“, der jetzt mal wieder dran war. In diesen L.A. Thriller, in welchem Tom Cruise einen Killer spielt und Jamie Foxx einen Taxifahrer, hatte ich mich von Anfang an verliebt. Die Atmosphäre von L.A. bei Nacht, die Bilder, die Neigung von Michael Mann, coole Menschen bei coolen Tätigkeiten zu schildern – hier fällt insbesondere ein Latino-Cop auf, gespielt vom späteren Hulk Mark Ruffalo. Der Film hat mehrere Momente, die sich besonders tief in mein Gedächtnis eingegraben haben: Der Flirt am Anfang zwischen Jamie Foxx und Jana Pinkett Smith, bei welchem man gar nicht anders kann als sich in Will Smiths Frau zu verlieben  (sorry, Will!), so charmant agiert sie da. Eine wunderbar befriedigende Charlie Bronson-Szene, in welcher Tom Cruise zwei Creeps exekutiert. Die Begegnung mit Wölfen mitten in der Stadt. Und eine atemberaubend furios inszenierte Schießerei in einem Nachtclub. Und immer wieder Momentaufnahmen von L.A. bei Nacht, und diese Musik…

Zu den Serien.

Auf dem Laufenden bin ich im Moment bei „Westworld“, drei Folgen habe ich auf Sky Ticket gesehen. Mehr aus Neugierde, denn aus totaler Begeisterung. Ich bin nicht die Serien-Kernzielgruppe, wenn das mit „Westworld“ so weiter geht, was Serien-Fans so toll finden, dass man ständig weiter hingehalten wird, worum es eigentlich geht und offensichtliche Breittret-Tendenzen immer mehr in den Vordergrund drängen, dann weiß ich noch nicht, ob ich da dran.

Die als achtteilige Mini-Serie umgesetzte Adaption von Stephen Kings „11.22.63“  (britische Blu-Ray) hat mir als großen Fan des Romans einigermaßen gut gefallen. Klar, das geringe Budget und das mühsame Einhegen des ausufernden Romans merkt man schon, im Prinzip wurde die Essenz des Stoffes aber gut eingefangen.

Sehr begeistert bin ich im Moment von „Bosch“ (Eigenkreation von Amazon, auf Amazon Prime), der Adaption von Michael Connellys Krimi-Buchserie, die es schon auf fast zwanzig Romane gebracht hat. Hauptdarsteller und Atmsophäre sind toll, obwohl es sich streng genommen ja nur um eine weitere Ermittle-Serie handelt. Allerdings eine sehr hochwertig und gekonnt produzierte. Hier könnte selbst ich zu etwas verführt werden, was ich das letzte Mal vor 20-25 Jahren gemacht habe: Zum wegbingen. Was das damals war? Twin Peaks natürlich.  Werde jetzt auch mal mit einem Connelly-Roman anfangen. Die Serie setzt bei der Adaption von Buch 3 ein, also perfekt, mal mit Buch 1 „The Black Echo“ anzufangen..

Gesehen: Opfergang

Melodram von Veit Harlan, DTL 1944, 97 Min (Academy-Format 1,37:1), Agfacolor

Mit Kristina Söderbaum, Irene von Meyendorff, Carl Raddatz u.a. 

Sich Veit Harlan anders als mit spitzen Fingern zu nähern, fällt bei dem „Nazi-Regisseur“ schlechthin, dessen berühmteste Werke „Jud Süß“ und „Kolberg“ die hässliche Fratze des 3. Reiches indirekt ziemlich ungefiltert auf Film bannten, gar nicht so leicht, gleichwohl hat sein in den letzten Kriegsmonaten Ende 1944 in die Kinos gekommene Melodram „Opfergang“ durchaus seine Fans, interessanter Weise gerade auch bei dezidiert progressiven und linken Filmemachern, dazu später.

An der Oberfläche ist „Opfergang“ nur eine konventionelle Dreiecksgeschichte: Aufgeweckter Bürgersohn (Carl Raddatz) findet seine lebenshungrige, aber totkranke Nachbarin Aels (Kristina Söderbaum) deutlich interessanter als die ihm zugedachte hübsche, duldsame, aber langweilige und steife Partie Ocatvia (Irene von Meyendorff).

Was den Film so interessant und sehenswert macht ist, dass Harlan hier unter Goebbels Augen seinem Affen Zucker geben und einen in Inhalt und Form bemerkenswert delirierenden, düsteren, unheilsdurstigen, morbiden, ja, todessehnsüchtigen Film abliefern durfte. Die handelnden Personen werden gerade nicht in ein, wie man es zur Entstehungszeit erwarten könnte, moralisches Koordinatensystem eingepresst und dürfen teilweise bemerkenswert seltsame, unheilschwangere Dinge sagen („Wir lieben uns, mein Freund, und es wird schlimm werden“) und nicht so handeln, wie man es von ihnen erwarten könnte.

An den schön komponierten, in wunderbarer Agfacolor-Farbdramaturgie gestalteten Bildern des Films kann man sich kaum satt sehen. Wenn die damals als „Reichswasserleiche“ (vielleicht eines der schönsten Worte deutscher Zunge – sie starb in mehreren ihrer Filme einen Tod im Wasser)) titulierte Kristina Söderbaum in weißem, knappen Dress den Strand auf- und abreiten und dabei Bogen schießen darf, kann man eine erotischen Spannung kaum verleugnen. Wenn dann im Finale Veit Harlan sich hemmungslosem Schwulst und einem Farben- und Überblendungsrausch sondergleichen hingeben darf, getragen von grandiosen Chorälen von Hans-Otto Borgmann und den Bildern von Bruno Mundi, ist das sogar ein großer Kinomoment. Und wir sind voll an Bord, weil die Figuren entsprechend interessant gezeichnet und gespielt werden. Mithin: Sehr sehenswerter Film, insbesondere in der neuen Restaurierung durch die Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung. Tatsächlich mal ein Veit Harlan-Film, den man uneingeschränkt feiern darf.

Ein absurder Witz könnte so gehen: Niemand geringerer als Christoph Schlingensief hätte ja mal ein Remake des Films drehen können, am besten mit Helge Schneider in der Hauptrolle. Nur, dass dies kein Witz ist: Mutters Maske, 1988. Muss ich dringend als nächstes sehen. Genauso wie „Immensee“, einen damals zeitgleich zu „Opfergang“ entstandenen Harlan-Film mit praktisch gleicher Besetzung und Crew. Nur, dass man das Wort Crew früher nicht hätte verwenden dürfen.

Punkte: 9/10
Hier ein recht prägnanter Trailer des Films, der den Bilderrausch erahnen lässt:

Film, Buch und Musik

Vieles könnte ich seit dem letzten Blogeintrag erzählen, lange Rezensionen schreiben, aufwändig verlinken und Clips und Bilder einbinden..wir wissen schon, das wird aus Zeitgründen so einfach nicht passieren.

Machen wir das anders.

Keine fancy Bilder und Verlinkungen. Keine megalangen Reviews und Berichte zu jedem einzelnen Film, Buch oder Album. Machen wir einen gerafften Artikel mit teilweise nur Ein-Satz Erwähnungen; ich hoffe, interessierte Leserinnen und Leser können sich trotzdem heraus ziehen, was für sie wichtig ist.

Film

Gesehen habe ich die neue deutsche Blu Ray von „The Punisher (1989)“ mit Dolph Lundgren. So gut sah der noch nie aus und der altert hervorragend mit seinem kompromisslos hohen Body-Count, den wunderbar dynamisch und rhythmisch montierten Action-Szenen und einem Dolph Lundgren in Bestform. Gleichzeitig deckt die Blu-Ray aber auch die Schwächen des Films auf. Mangels Budget kann man von einer stringenten visuellen Gestaltung kaum sprechen und insbesondere das mangelnde Beleuchtungskonzept („Alles hell und zu sehen? Roll Camera!“) sieht gerade auf BD unschön aus. Sieht man den Film erneut, ist die ungeschnittene FSK 16-Freigabe durchaus verständlich. Trotz hohem Bodycount und viel Filmblut ist der tatsächlich doch harmloser, als man ihn in Erinnerung hatte. Nichtsdestotrotz: Sehr schönes Wiedersehen!

Hochamt für Horror-Fans: Fede Alvarez aus Uruguay hat einen Run: Schon sein „Evil Dead“-Remake war in seiner kompromisslosen Härte und einem enormen Tempo ein Highlight, nun hat er einen Home Invasion-Thriller inszeniert, der exzellente Kritiken bekam und so stark in den US-Kinos abräumte, dass er zwei Wochen die Nr.1-Position verteidigen konnte, das schafft fast kein Horror-Film. „ Don’t Breathe“ schon. Ich bin sehr gespannt darauf.

Ansonsten plane ich demnächst eine Howard Hawks-Filmreihe, sowie eine Reihe mit deutschen Abenteuerfilmen mit einem Schwerpunkt auf den drei Zweiteilern um das „Indische Grabmal“, also die Verfilmungen von 1920, 1938 und 1957/58. Sowie einige andere Abenteuer-Filme, darunter zwei Karl May-Verfilmungen aus den 50ern- entstanden also zeitlich noch vor der Rialto-Reihe mit Pierre Briece & co..

Buch

Gelesen habe ich die Novelle „The Ballad of Ballard and Sandrine“, eine erotisch aufgeladene Afrika-Phantasie von Peter Straub, der für mich gegen Ende die Luft ausging. Habe ich das Ende kapiert? Ich weiß es nicht. Ebenfalls nicht völlig überzeugen konnte mich die bei Tor.com veröffentlichte Kurzgeschichte „The Weight of Memories“ von Liu Cixin, die sich um genetisch vererbte Fähigkeiten dreht und ein bitteres Ende aufweist. Nun lese ich gerade ebenfalls von Tor.com „A Dead Djinn in Cairo“ von P. Djeli Clark, eine Ermittler-Story um, na, siehe Titel.

Ich bin ja mitten drin in einer Edgar Wallace-Komplettlesereihe (14 down, noch ca. 165 to go) und lese gerade mit großem Vergnügen „Private Selby“ aus dem Jahr 1912, eine Proto-Alternative History um eine Invasion Englands durch eine mitteleuropäische Herrscherin – mit Luftschiffangriff auf London und was man noch so braucht. Sehr nett. Etwas ins Stocken geraten bin ich mit meiner Shakespeare-Reihe und hänge im Moment mitten in „Richard III“ – da fehlt mir leider häufig doch die Muße um mich darauf hochkonzentriert einlassen zu können.

Gut voran komme ich dafür mit zwei Kolportage-Romanen, nach wie vor mit dem „Waldröschen (1882-1884)“ von Karl May, das ich schon mehrfach erwähnt habe, sowie mit „Detektiv Nobody (1904/1905)“ von Robert Kraft. Ich habe dieses Jahr den Kolportage-Roman so richtig für mich entdeckt und finde es ganz wunderbar, wie in dieser Textform die Handlung vor sich hin mäandert und mal hierhin und mal dorthin springt. Für Leser wie mich, die bei streng durchgeplotteten Romanen vor Langeweile vergehen, ist das eine Wohltat.

Für den Rest des Jahres plane ich noch zu lesen die Kurzgeschichtenbände von Ted Chiang und Ken Liu, sowie einen kleinen Karl May-Schwerpunkt mit der neu gestarteten Serie „Karl Mays magsicher Orient“ (Kara Ben Nemsi in einem Fantasy-Setting – ich kann es kaum abwarten) aus dem Karl May Verlag, sowie aus dem Blitz-Verlag die moderne Fortschreibung „Karl Mays Kara Ben Nemsi“ von G.G.Gradt. Mit viel Glück und Zeit komme ich ggf. noch im Herbst zu „Doktor Faustus“ von Thomas Mann und plane jetzt kurzfristig, den neuen Roman von Connie Willis namens „Crosstalk“ zu lesen. Eine romantische Komödie um eine Technologie, die den anderen seine eigenen Gefühle spüren lässt, wenn man das möchte. Romantische Komödien sind nun nicht unbedingt mein lesetechnisches Kerngebiet, dieser Autorin folge ich aber gerne überall hin, schon immer.

An der Comic-Front habe ich mit „Dark Night: A True Batman Story“ von Paul Dini begonnen und finde die Zeichnungen brillant, sowie die Idee so bedrückend wie genial: Erfolgreicher Batman-Zeichner verarbeitet mit einem autobiographischen Batman-Comic einen brutalen Überfall auf sich.

Im Bereich Manga habe ich mich mal an der Bestseller-Serie „Tokyo Ghoul“ von Sui Ishida versucht und musste mir eingestehen, dass das nichts für mich ist; klar, das ist eher für Teenies konzipiert, aber diese Ghoul-Story mit Vampir-Handlungsmechanismen konnte mich einfach nicht packen. Jetzt versuche ich mich an dem Sindbad-Manga „Magi: The Labyrinth of Magic“ von Shinobu Othaka.

Auf meinem Zeitschriftenstapel liegt noch die neue SOL, sowie diverse US-Storymagazine.

Musik

Fangen wir mit meiner einen großen Vorliebe Metal an.

Die neuen Langrillen „Decision Day“ von Sodom (geht gut nach vorne los) und „Rapid Foray“ von Running Wild (bei allem Geläster immer über diese Band – das neue Album kann was!) habe ich gerne gekauft und höre sie viel.

Ebenfalls eine Freude ist mal wieder die neue von Equlibrium namens „Armageddon“ mit vielen hymnischen Tracks, sowie die neue Tarja-Scheibe „Thy Shadow Self“. Letztere hat mich sogar sehr positiv überrascht, denn die vor einigen Wochen veröffentlichte Tarja-EP konnte mich nicht so überzeugen. Wenn wir schon bei Damen sind, ganz wunderbar sind zwei neue Scheiben von zwei Eine-Frau-Metal Bands, diese beiden Tipps kommen von mir wirklich von Herzen: Das neue Darkher-Album „Realms“, sowie das Live-Album „Mausoleum“ von Myrkur. Ganz tolle, berückende Scheiben.

 Nach der großartigen Vorab-Single „Downshifter“ freue ich mich sehr auf „Wanderer“, das neue Album von Heaven Shall Burn. Bis dahin halte ich mich mit den richtig guten Schweizer New Metal-Jungs von Breakdown of Sanitiy über Wasser, deren Album „Coexistence“ herrlich druckvoll ausgefallen ist.

Vor zwei Jahren war „Phobos Monolith“ von Mare Cognitum mein Album des Jahres. Dementsprechend gespannt war ich auf den dieses Wochenende veröffentlichten Nachfolger „Luminiferous Aether“. Tja, einige tolle Momente, muss ich mich vielleicht noch mehr einhören, ja, so formuliert man Zurückhaltung..

Für Freunde etwas „obskurerer“ Bands habe ich Revelation im Angebot. So heißen diverse Bands, ich meine ein weißrussisches Duo, das eine tollte Mischung aus Gothic und Doom spielt, garniert mit schwarmetallischem Dungeon Synth-Sound. Toll. Die nicht sehr produktiven Jungs haben in gut 17 Jahren bisher vier Alben rausgehauen, gibt es alle auf Bandcamp, das gerade wieder veröffentlichte, wirklich tolle Debüt heißt „Expulsion from Paradise“.

Ansonsten wolle ich noch sagen: Meine Metal-Single des Jahres ist und bleibt „Nores Sorte Himmel“ von Nordjevel vom selbstbetitelten Album.

Hip Hop

Herrlicher Old School 90er-Hip Hop mit Wu-Tang Clan Gästen, gefällt mir sehr: “Lost Scrolls” von Hermetic Order.  

Und aus Deutschland? Natürlich habe ich mir auch „Fanpost 2“ von Kollegah angehört und obwohl man als Fan natürlich dankbar ist für einen neuen, aufwändigen 18-Minuten-Brocken, bleibt die Frage natürlich schon: Tat das wirklich Not? In der Länge? Mit so viel Tiefkühlgemüse (und ich gehöre immerhin noch zu denen, die über Fler-Karottenwitze noch lachen können)? Man kann es sehen, wie man will, aber Fler hat von dem Track sogar profitiert: Der Hype um das Ding half sicher dabei, sein neues Album „Vibe“ von der Null auf die Eins zu katapultieren. Auch wenn das nicht unverdient ist, das Album ist ziemlich gut. Wie auch Kay Ones neues Album „Der Junge von Damals“, welches neben einigem Müll auch wieder einige technisch abenteuerlich gute Abrissbirnen enthält.

Ebenfalls ganz nett zu hören ist das brandneue „Zurück zur Straße“ von Alpa Gun. Nach einigem echten Vorspul-Material kommt das Album erst so ab der Hälfte in Fahrt – dann aber so richtig. Und besten Dank an Alpa Gun für einen Disss der 187-Straßenbande – der hysterische, unreflektierte Hype um die Kerle ist mir einfach ein Rätsel. Mir gehen deren raue Hafenstraßen-Stimmen eher auf den Sack.
 
Vermischtes 

Hier noch ein paar Tips, die oben nicht reinpassen. Ich habe eine Schwäche für Dark Ambient mit langen, unheimlichen Klangflächen. Toll in dem Bereich sind Flowers for Bodysnatchers mit ihren Alben über den magischen japanischen Wald „Aokigahara“ und der Nachfolger „ Love Like Blood“, der den Tokyoter Untergrund musikalisch erkundet. Großes Tennis! 

Beauty of Gemina machen auf „Minor Sun“ klassischen Gothic Rock/Pop, einige der Stücke gefallen mir sehr. So wie das neue Art-Rock Album von Russian Circles namens „Guidance“; einfach mal „Calla“ probieren. Toll!

Last but not least: Die romantischste Interview-Aussage, die ich je von einer Frau gehört habe, ist, dass sie abends im Wohnzimmer die Musik aus der „Ultima“-Serie (Rollenspiel auf dem C-64 aus der 80ern) spielt. Die Rede ist von Michelle Sternberger, die als ComputeHer Chiptune-Musik macht. Ihr neues Album „Bliptastic“ ist soundtechnisch deutlich aufwändiger produziert und enthält fast zu viel Wumms, einige Tracks sind aber sehr gelungen. Sternberger hat ihren Mann über diese Art Musik kennen gelernt, zusammen nennen sie sich „8 Bit Weapon“ – auch da ist ein neues Album mal fällig, bitte.

Soweit für heute. Demnächst dann vielleicht mal wieder geordneter mit mehr Links und Lametta und länger und so. Vielleicht aber auch nicht. Ich experimentiere lieber etwas mit der Form und blogge was, bevor ich das Blog nochmal wieder einmotten muss, weil ich nicht hinterher komme. Ihr könnt ja mal schreiben, ob Ihr mit solchen Sammelartikeln zurecht kommt und mit denen etwas anfängen könnt, wenn Ihr mögt.

Gesehen: Hell’s Angels

(dt. auch Höllenflieger),
Howard Hughes/James Whale u.a., USA 1930, 122 Min (DVD-PAL), Bildformat: 1,34:1 Academy Ratio, s/w mit einer Farbsequenz, Tonfilm mit Texttafeln
Mit Ben Lyon, James Hall, Jean Harlow, John Darrow u.a.

In einer Filmepoche, die viele Zwitter gebar, ist Howard Hughes „Hell’s Angels“ ein Zwitter der ganz besonderen Art. Ein zum Tonfilm umgestrickter Stummfilm mit gelegentlichen Texttafeln (bei Übersetzungen und Beschreibungen), ein Schwarzweiss-Film mit einer Farbsequenz, ein schrecklich statischer, geschwätziger Film mit noch heute atemberaubenden Action-Szenen und anderes mehr.

Dieses Projekt von Ausnahmeunternehmer Howard Hughes (der die Flug- und Filmindustrie der USA im 20. Jahrhundert entscheidend prägte, bereits sein filmisches Denkmal in Scorseses „Aviator“ (2004) bekam und auch in der Popkultur angekommen ist als exzentrischer Milliardär bei James Bond (in Diamantenfieber) und Comic-Superheld (Tony Stark/Iron Man ist nach ihm modelliert)) war über drei Jahre in der Mache und schon deswegen so teuer, weil es, wie häufig zu jener Zeit, vom Stummfilm zum Tonfilm umgestaltet wurde.

Erzählt wird eine Dreiecks-, ja, eigentlich Vierecksgeschichte zwischen zwei englischen Brüdern bei der Royal Air Force, einem deutschen Luftwaffe-Soldaten namens Karl und eine Liebesgeschichte zu einem Mädchen (Jean Harlow, die trotzdem erst an dritter Stelle in den Credits genannt wird).
Wir wollen ehrlich bleiben: Die Dialogszenen in diesem Film, von denen es reichlich gibt, sind, wie häufig bei Produktionen aus dieser Zeit, schlicht und einfach eine Qual. Noch beeindruckt davon, dass die Menschen auf der Leinwand überhaupt reden konnten und gestraft und geschlagen mit extrem schwierig zu handhabendem, voluminösem und schwerem Kamera-Equipment, meint man, dass es überhaupt keine Rolle spielte, diese Szenen ansprechend und interessant zu gestalten, Hauptsache, die reden auf der Leinwand. Man braucht schon eiserne Disziplin um hier nicht nach der Vorspultaste zu langen, zumal die darstellerischen Leistungen zu wünschen übrig lassen. Wenn das als Warnung nicht reicht: Selbst zeitgenössische Kritiken störten sich damals schon daran, dass diese Szenen lahm und statisch daher kommen, dass ist über den Abgrund der Zeit von inzwischen fast 90 Jahren nicht gerade besser geworden.

Dafür ist der Film wegen seiner zwei großen Action-Szenen noch heute sehenswert. Im Mittelteil des Films fliegt die deutsche Luftwaffe einen Zeppelin-Angriff auf London. Diese Szenen sind mit ihrem herrlich komplizierten Gestänge ein feuchter Steampunk-Traum, majestätisch gestaltet, aufregend und in der Detailversessenheit der Bomben-Apparaturen offensichtlich ein Vorbild für Kubricks „Dr. Strangelove“ (1963/64) gewesen. Diese viragierten Szenen können noch heute voll überzeugen und sind mehr als eindrücklich.
Ebenfalls noch sehr sehenswert ist das Luftkampffinale. Angesichts des Produktionsjahres und der vielen statischen Szenen drumherum reibt man sich hier die Augen, wie modern und spektakulär dieses Finale gestaltet ist. Nicht nur eine entfesselte, hochagile Kamera erfreut das Auge, auch eine erstaunlich moderne, schnelle und intensive Montage hebt den Film weit ab von Konkurrenzprodukten aus jener Zeit.

Insofern ist es mehr als begrüßenswert, dass dem Film eine umfangreiche Restauration wiederfuhr und er somit vor dem Vergessen gerettet wurde. Durchhalten bei den statischen Dialogen, das Finale entschädigt da spielend für. Und die Zeppelin-Sequenz macht den Film unvergesslich.

Punkte: 8/10

Hier ein Trailer:

Zweiter Film meiner kurzen Reihe mit frühen WWI-Doppeldeckerdramen. Es folgt noch Howard Hawks‘ „The Dawn Patrol (1930)“ mit Douglas Fairbanks, jr., sowie dessen Remake mit Errol Flynn aus dem Jahr 1938.